Дорогу молодым: русская художница из Барселоны
Девятнадцатилетняя Анна Богомолова — молодой художник из Барселоны. Она получила степень бакалавра художественных искусств и закончила курс в Foundation City & Guilds of London Art School. В настоящее время Анна продолжает свое обучение художественному искусству в Англии. Анна родилась в Москве, но выросла в Барселоне. Ее родители — профессиональные художники, выпускники Художественного университета им.Строганова. Не удивительно, что девочка, которая росла в среде художников, стала выражать свое видение мира с помощью кистей и красок. В Casa Piera в июле прошла экспозиция работ Анны, и мы поговорили с девушкой о ее творчестве. На ваш взгляд, важно ли человеку заниматься творчеством. И почему? Без творчества мир был бы иным, не таким, как сейчас. Человек не смог бы так развиться и не пришел бы к такому техническому прогрессу, результатом которого и является наша современная жизнь. Творчество развивает человека умственно и духовно, дает возможность увидеть мир по-другому. Как вы считаете, стиль художника формируется с практикой? Необходимо много практиковаться, экспериментировать, заниматься исследованием различных художественных тем и средств для их реализации. И тогда, во время этого процесса, художник находит то, что ему ближе и полнее всего выражает его видение мира. Вы выросли в Барселоне. Каким образом город повлиял на формирование вашего художественного стиля? Барселона — это город, в котором родились такие знаменитые художники, как Гауди, Миро, Касас, Тапиес… Здесь много архитектурных шедевров, музеев, выставок. Каждая улица в Старом Городе имеет свою многовековую историю. Прогулки с родителями по улицам Барселоны, мое знакомство со старинными легендами и архитектурными деталями — все это способствовало развитию моего воображения и формированию стиля. Ваши родители — художники. Вам нравилось рисовать уже в детстве? Безусловно. Видеть моих родителей за работой, наблюдать за процессом создания картин, иметь возможность пользоваться красками, кистями и другим художественным материалом, которого дома было предостаточно, вдохновляло меня. Мне очень нравилось проводить время за любимым занятием — рисованием. Я рисую уже около 15 лет. Считаете ли вы, что художник должен учиться профессии или все скорее зависит от внутреннего дара? Мне кажется, что такое понятие как «художественный дар» слишком переоценено. Человек может быть одаренным с рождения, но это не значит, что он обязательно состоится как художник. Нужно развивать свои способности, учиться мастерству у предшественников. На сегодняшний день в современных художественных учебных заведениях больше обращают внимание на формирование самобытности и оригинальности стиля и поиски новых средств для самовыражения. А чтобы научиться мастерству старинных мастеров, стоит искать академические школы, которых с каждым годом становится все меньше. А как проходило ваше обучение художественному мастерству? Первыми учителями были мои родители. Они старались не критиковать мои рисунки, а подсказывали, как было бы лучше. В школе меня научили обдумывать и развивать художественные проекты. Технически реализовывать идеи учусь сама методом проб и ошибок. С какими сюжетами вы работаете больше всего? Почему?...
Кукольный мир Доу
Олег Доу — один из самых ярких представителей современной русской фотографии на мировой художественной сцене. Сегодня работы Олега Доу представляют ведущие галереи во Франции, Бельгии, Испании, Нидерландах, России и Америке. А барселонская галерея Senda спустя несколько лет продуктивной работы с художником и опираясь на опыт развития совместных проектов, выпустила в свет второе издание первого сборника работ Олега, в который вошли и произведения, созданные художником с 2012 по 2016 года. Первое издание сборника было опубликовано четыре года назад, когда Доу исполнилось 28 лет. В издание вошли наиболее известные серии работ художника: Cubs (2009 – 2010), демонстрирующая результаты странных мутаций, фантасмагорическая Nuns (2006 – 2007) или Another Face (2011), включающая тревожные и экспериментальные картины. Выход второго издания сборника сопровождается поступлением в продажу произведения Cheburashka II, одной из самых символичных работ Олега Доу. Фотографии для художника — это способ попасть в мир, который колеблется между «красивым и отталкивающим». Он очарован особенностями человеческих лиц и границей между реальностью и тем, что за ней, изображая странное и непохожее в качестве основ эстетической красоты. В втором издании представлена новая серия произведений Mushroom Kingdom, где Доу показывает очаровательные, завораживающие лица из детства, которое, по его словам, «полно клоунов и монстров под кроватью». Также во второе издание включена элегантная серия работ Heaven in My Body, вдохновленная священным и мистическим искусством XV и XVI веков. В возрасте 23 лет Олег Доу впервые представил свою работу в галерее Le Simoun в Париже. Известность художник получил благодаря крупноформатным портретам, на которых лица людей подобны застывшим маскам, лишенным эмоций. В портретах художник отчасти обращается к теме собственного страха перед постановочной фотографией, мучающего его в детстве. В работах Доу граница между живописью и фотографией исчезает. Его работы показывают существ, которые кажутся безжизненными. Каждый портрет, подверженный цифровой ретуши передает тайну, которая заставляет зрителя проникать за грани отполированных лиц моделей. Будучи поклонником японского минимализма, Доу умеет генерировать атмосферу высокого зрительного напряжение. Тенденция тотальной обращенности к внутреннему миру прослеживается в мелкой пластике — фарфоровой скульптуре, с которой работает Олег Доу. Художник раскрывает темы неоправданной жестокости, внутренней борьбы и выбора. Помимо фотографии и скульптуры, Олег Доу обращается к видеоарту, в который он включает новую для своего творческого почерка характеристику — эмоции и мотив борьбы, в первую очередь, с самим собой. Но и здесь красота, сдержанность и лаконичность — основные инструменты Олега Доу, который разделяет и по-своему интерпретирует идеи академизма. В 2007 году Олег Доу был признан «Фотографом года в специальной категории» в рамках престижной премии International Photography Awards. В 2009 году он получил премию Arte Laguna Art Prize как «Лучший молодой фотограф». В 2011 году компания Artprice включила художника в Топ 3 самых успешно продаваемых авторов до 30 лет на аукционных...
Тени Барселоны Карлоса Руиса Сафона
Карлос Руис Сафон — один из самых известных современных писателей и наиболее читаемый испанский автор во всем мире после Мигеля Сервантеса. Его произведения переведены на 50 языков. Литературная карьера Сафона началась в 1993 году вместе с публикацией серии мистических книг для подростков — «Принц тумана», «Дворец полуночи», «Свет сентября», позднее объединенных в «Трилогию тумана», и «Марина» в 1998 году. В 2001 году вышел легендарный роман автора «Тень Ветра», первый из трилогии «Кладбища забытых книг». В нем однажды утром 1945 года отец приводит своего сына в таинственное скрытое место в самом сердце старого города Барселоны: «Кладбище забытых книг». Там Даниэль Семпере находит проклятую книгу, которая изменит всю его жизнь и погрузит мальчика в лабиринт интриг и секретов, скрытых в темной душе города. Следующий роман, последовавший за «Тенью ветра» в 2008 году, — «Игра ангела» стал наиболее продаваемой книгой за всю историю Испании. В первую неделю после выхода в свет роман купили 230 тысяч человек. В нем действие происходит уже в знакомой нам Барселоне, в 20-х годах ХХ века. Главный герой — молодой писатель, одержимый невозможной любовью, получает предложение от таинственного издателя написать книгу, которой никогда не существовало, в обмен на счастье и удачу. Автор возвращает нас к «Кладбищу забытых книг», где и начинается сложная и запутанная игра Ангела, переплетаются история трагической любви, мистика, интриги и приключения. Третьей книгой саги «Кладбища забытых книг» стал «Узник неба». Действие в книге происходит в Барселоне в 1957 году. Даниэль Семпере и его друг Фермин, герои «Тени ветра», возвращаются, чтобы столкнуться с самой большой проблемой в своей жизни. Только судьба начинает им улыбаться, букинистическую лавку Семпере посещает тревожный персонаж. Новый герой угрожает раскрыть страшную тайну, которая была похоронена больше двух десятилетий назад в темной памяти города. Узнавправду, Даниэль поймет, что судьба неизбежно ведет его к столкновению с самой большой Тенью: той, что растет внутри него. Наконец, 17 ноября прошлого года, спустя 15 лет после выхода «Тени ветра», начались продажи последней главы этой истории и четвертой книги саги «Кладбища забытых книг» — «Лабиринта духов». В ней мы снова встречаем Даниэля Семпере в конце 50-х годов прошлого века в Барселоне. Сеньор Семпере больше не тот ребенок, который между стеллажами «Кладбища забытых книг» нашел произведение, изменившее его жизнь. Тайна смерти матери Изабеллы открыла пропасть в его душе. В то время как жена Беа и верный друг Фермин пытаются его спасти, Даниэль, решивший, что находится в шаге от раскрытия тайны, оказывается в центре заговора, темнее и глубже которого он даже не мог себе вообразить. Тогда на его пути появляется Алисия Грей, рожденная из тени войны, чтобы стать проводником Даниэля в сердце тьмы и раскрыть тайну истории семьи… Только какой ценой? Карлосу Руису Сафон в каждой своей книге удается создавать удивительно цельные образы персонажей....
По следам русского балета
Балет — вид сценического искусства, основные выразительные средства которого связанны между собой. Это музыка и танец. Зародился он в Италии в эпоху Возрождения, впоследствии попал во Францию и, наконец, оказался в России, где и достиг расцвета, став визитной карточкой страны и русского искусства. Первое балетное представление в России состоялось 17 февраля 1672 года при дворе царя Алексея Михайловича. Существует еще одна версия даты первой постановки: 8 февраля 1765 года. Когда все-таки балет был поставлен в России впервые до сих пор идут споры, но одно можно утверждать наверняка: балет того времени отличался от того, каким мы знаем его сейчас. Балет был частью оперного или драматического спектакля, а поклоны и изящные движения танцоров чередовались с пением и речью. В то же время пышные, богато украшенные костюмы стесняли движения артистов. В XVIII веке император Петр I издал указ, согласно которому танцы стали частью придворного этикета и обязательной дисциплиной в Первом кадетском корпусе в Санкт-Петербурге. Изначально корпус задумывался для подготовки военных, но по недостатку общеобразовательных учреждений стал готовить и гражданских чиновников. Так как выпускники корпуса в будущем должны были занимать высокие государственные должности и нуждались в знаниях светского обхождения, то изучению изящных искусств, в том числе и бального танца, в корпусе отводилось значительное место. Так приглашенный французский танцмейстер Жан-Батист Ланде открыл первую в России школу балетного танца (в настоящее время Академия Русского балета им. А. Я. Вагановой). В 1742 году из учеников школы Ланде была создана первая балетная труппа, а в 1743 году ее участникам начали выплачивать гонорары. Во время правления Екатерины II балет выходит за рамки царского дворца, среди помещиков становится модным заводить собственные балетные трупы из крепостных крестьян. С 1794 года начались постановки первого русского по национальности балетмейстера Ивана Вальберха. В 1796 году на российский престол восходит Павел I, который издает указ, согласно которому на сцене не может быть ни одного танцора, а все мужские роли должны исполнять женщины. В начале XIX века при правлении императора Александра I возглавить Петербургскую балетную труппу Российских императорских театров пригласили французского балетмейстера Карла (Шарля) Дидло. Он прибыл в Россию в 1801 году и произвел переворот в известной тогда балетной хореографии: упразднил тяжелую «униформу» танцовщиков: обязательные до того времени парики, шиньоны, кафтаны, башмаки с пряжками и прочее и ввел обтягивающие трико и газовые туники. Облегченные в весе танцоры могли совершенствовать собственную технику. Характерными для постановок балетмейстера стали групповые полеты. Державин, Пушкин и Грибоедов воспевали балеты французского гения. В 1830-х годах в Европе и России расцвета достиг характерный танец, с помощью которого европейцы стремились описать окружающий мир. Характерный танец — одно из выразительных средств балетного театра, разновидность сценического танца. Танцы строились на движениях, характеризующих данный персонаж, часто включались бытовые жесты. Композиция такого танца была менее строгой, чем в классическом танце, а исполнялся...
Русский балет в Барселоне
Те, кто мечтают научиться танцевать профессионально классический русский балет, могут сделать это в Школе русского балета в Барселоне (Ballet Ruso Barcelona). Здесь исключительные учителя, выпускники одной из старейших балетных школ мира, с именем которой связаны расцвет и всемирное признание русской балетной школы — академии русского балета имени А. Я. Вагановой. 2 декабря в Teatre-Auditori в Сант-Кугате Школа представляет гала-концерт Les Étoiles со звездами русского балета. Среди ведущих танцоров: Оксана Бондарева и Эрнест Латыпов (Мариинский театр), Ирина Перрен и Марат Шемиунов (театр Михайловского), Максим Чащегоров и Катерина Марковская (Баварский государственный балет), Алексей Есин и Дарья Урбан (Балет Игоря Моисеева). Чтобы узнать подробности о Школе, методологии обучения и, конечно же, о предстоящем гала-концерте, мы поговорили с Борисом Шепелевым, создателем Школы русского балета в Барселоне, в прошлом танцором балета в Мариинский театре и театре Михайловского, учеником Академии Вагановой и вот уже более 15 лет профессиональным преподавателем балета. Какую методологию обучения вы используете в школе? Трудно говорить о какой-то конкретной методологии. Несомненно, я обучался по методологии Вагановой, и на меня повлияли мои профессора и хореографы, с которыми мне довелось работать, например, Н. Дудинская, Н. Долгушин, К. Сергеев, С. Бережной, А. Нисневич, Ю. Григорович или О. Виноградов. Кроме того, во время работы в Мариинском театре, в театре Михайловского и в Государственном театре на Гертнер-плац я познакомился с различными школами балета, и благодаря этому моя техника эволюционировала. Но, прежде всего, 15 лет работы в качестве профессора балета с учениками с разной физической подготовкой позволили мне сформировать мою личную методологию. Например, в Академию Вагановой принимают студентов с идеальными для балетных танцев телами. Я, в свою очередь, в последние годы встречал детей с не столь выдающимся физическим потенциалом, но с сильным характером и установкой добиться успеха. Из таких учеников я смог сделать великолепных танцоров. В каком возрасте можно приходить к вам на обучение? В Школе у нас есть дети в возрасте трех лет. Но, на самом деле, возраст не играет главную роль. Некоторые дети в этом возрасте не смогли поступить, потому что они не были готовы морально — индивидуальная зрелость очень важна. Обучение маленьких танцоров ведется по другим принципам, чем детей постарше, и методология меняется по мере того, как ученики взрослеют. Бланка (моя жена, с которой мы возглавляем Школу русского балета) и я много работаем над индивидуальным развитием каждого ученика. Мы прививаем ценности, необходимые не только будущему танцору, но и любому человеку. Это страсть к совершенству, смелость, настойчивость и профессионализм в работе, дисциплина, ответственность, уверенность в себе, критическое мышление и способность благодарить свою семью и учителей, поддержка и усилия которых помогли им стать танцорами. В Школе есть дети всех возрастов. Но для студентов, приезжающих из других школ, при поступлении могут возникнуть трудности, если они очень молоды. Оптимальный возраст для...
Проклятья и легенды Большого театра
На основе 240-летней истории Большого театра можно с равным успехом создать как авантюрный роман, так и драму, историю борьбы, смерти и возрождения. Театр три раза горел, восстанавливался и перестраивался, на его эпоху выпали войны и революции, бушевавшие между XIX и XX веками, и, несмотря на череду этих печальных событий, он продолжал жить своей особенной жизнью, полной тайн и легенд. Большой — это эссенция российского и мирового искусства. Две сотни лет в стенах театра накапливался и передавался опыт поколений, совершенствовались и интерпретировались по-новому классические наработки, писалась история русского театрального искусства. История Большого театра У Большого театра два дня рождения. Летоисчисление театр ведет с 28 марта 1776 года, когда императрица Екатерина II подписала «привилегию» князю Петру Урусову на содержание спектаклей, маскарадов, балов и прочих увеселительных мероприятий сроком на десять лет. Эта дата и считается основанием Большого театра. «Привилегия» был подписана Екатериной лишь потому, что труппа артистов, которая стала бы выступать на сцене театра уже заработала известность своими постановками и сформировалась еще до «назначения» князя Урусова. Ее собрал полковник Николай Титов, который и стал первым, кто получил от императрицы «привилегию» на театральную деятельность. Это случилось в 1766 году. А спустя три года, Николаю пришлось продать свою антрепризу. Содержание театра стало для него слишком дорогим удовольствием. Так труппа перешла к князю Урусову. В свою очередь, Екатерина помогла ему, выдав разрешение на театральную деятельность, но обязала построить постоянное для театра здание и дала Урусову на это срок — пять лет. Так вместе с компаньоном, осевшим в России англичанином Михаилом Медоксом, князь покупает землю на правом берегу реки Неглинка в Москве и возводит первое здание, которое выходило на улицу Петровка. Оттуда театр и получил название — Петровский. Его открытие состоялось 30 декабря 1780 года. Петровский театр, возведенный в рекордные сроки: меньше, чем за полгода, стал первым построенным в Москве публичным театральным зданием такой величины, красоты и удобства. Здание, возведенное на деньги Урусова и Медокса, просуществовало четверть века и осенью 1805 года сгорело. До 1808 года театральная труппа выступала на частных сценах. А в 1808 году для театра было возведено новое здание на Арбате по проекту архитектора Карло Росси. Но и это здание постигло «проклятье огня»: во время Отечественной войны 1812 года, когда войска Наполеона вошли в Москву, театр на Арбате сгорел. Это еще раз обрекло труппы на выступления на частных сценах, пока в 1825 году на месте первого Петровского театра не выросло новое здание. 6 января 1825 года состоялось торжественное открытие нового Петровского театра — куда более крупного, чем утраченный старый, и потому названного Большим Петровским. Во многих современных источниках 1825 год указан временем основания Большого театра. Новый театр отличался монументальным величием, соразмерными пропорциями, гармоничными архитектурными формами и пышными интерьерами. Он сразу же стал городской достопримечательностью и называли его театром Бове, по имени архитектора Осипа Ивановича Бове. И хотя на сцене Большого Петровского театра продолжали ставить...
Свежий номер Revista Rusa
Газета Shopping Time
Shopping & Service Guide
Медиа-кит : Русский журнал
Медиа-кит : Shopping Time
Медиа-кит : S&S Guide
noticia.ru
